Był litewskim Żydem i brazylijskim malarzem, grawerem i rzeźbiarzem. Twórczość Segalla wywodzi się z impresjonizmu, ekspresjonizmu i modernizmu. Jego najważniejszymi tematami były przedstawienia ludzkiego cierpienia, wojny, prześladowań i prostytucji.
Segall opublikował w Dreźnie książkę z pięcioma akwafortami, Sovenirs of Vilna w 1919 roku oraz dwie książki ilustrowane litografiami zatytułowane Bubu i die Sanfte. Zaczął wtedy swobodniej wyrażać siebie i rozwijać swój własny styl, który zawierał aspekty kubizmu, jednocześnie badając swoje żydowskie pochodzenie. Jego wcześniejsze obrazy z okresu od 1910 do wczesnych lat dwudziestych XX wieku przedstawiały niespokojne postacie otoczone klaustrofobicznym otoczeniem o przerysowanych i odważnych rysach, na które wpływ miały afrykańskie postacie plemienne.
W 1912 roku jego pierwsza malarska seria prac została przeprowadzona w starszym zakładzie dla obłąkanych. Prace Segalla w dużej mierze przedstawiały masy prześladowanej ludzkości w ekspresjonistycznej formie. Później tego samego roku przeniósł się do São Paulo w Brazylii, gdzie mieszkała już trójka jego rodzeństwa.
Powrócił do Drezna w 1914 roku i nadal był dość aktywny w stylu ekspresjonistycznym. W 1919 roku Segall założył "Dresdner Sezession Gruppe 1919" wraz z Otto Dixem, Conradem Felixmüllerem, Otto Lange i innymi artystami. Wystawa Segalla w Galery Gurlitt otrzymała wiele nagród. Niezależnie od tego, jak wielki sukces odniósł Segall w Europie, ogromny wpływ wywarł na niego czas spędzony w Brazylii, który zmienił zarówno jego styl, jak i tematykę. Wizyta w Brazylii dała Segallowi możliwość uzyskania silnego wyobrażenia o sztuce południowoamerykańskiej, co z kolei sprawiło, że Segall powrócił do Brazylii po raz kolejny.
Chociaż Segall nadal był obywatelem Wilna, przeniósł się z powrotem do Brazylii w 1923 roku. Po powrocie do São Paulo Segall otrzymał brazylijskie obywatelstwo wraz ze swoją pierwszą żoną, Margarete.
Podczas pobytu w Brazylii na jego malarstwo duży wpływ miała Dzielnica Czerwonych Latarni w Rio de Janeiro. Wielu brazylijskich artystów wpłynęło na tematykę Segalla i wzmocniło jego kubistyczną formę. Zaaklimatyzował się w nowo odkrytym kraju i malował tematy związane z brazylijską wsią, mulatami, fawelami, prostytutkami i plantacjami. Ze względu na surowy i ekstremalny charakter portretowania prostytutek przez Segalla i jego przedstawienie ludzkiego cierpienia, jego dzieła stały się kontrowersyjne. Ta szczególna kontrowersja w jego twórczości spowodowała, że wraz z innymi znanymi artystami zorganizował pro modernistyczne wydarzenie znane jako Semana de Arte Moderna [wątpliwe - omówić].
W 1922 roku zorganizowano Semana de Arte Moderna, w której Segall brał udział, będąc jednym z prekursorów głównego nurtu w wystawie sztuki. Tygodniowe wydarzenie obejmowało prace Segalla, a także w dużej mierze kontrowersyjne dzieła Anity Malfatti. Obejmowały one nie tylko obrazy, ale także występy i inne formy sztuki. Awangardowe innowacje Segalla uplasowały go wysoko wśród innych brazylijskich wybitnych artystów współczesnych w tym czasie, takich jak Candido Portinari i Emiliano Di Cavalcanti.
Chociaż Segall zamierzał mieszkać wyłącznie w Brazylii, nadal wracał do Europy na swoje własne wystawy. W 1925 roku Segall stał się bardzo bliski swojej uczennicy Jenny Klabin i ostatecznie ożenił się z nią.
W 1932 roku, wkrótce po wielokrotnych wizytach Segalla w Paryżu i Niemczech, założył wraz z innymi artystami organizację znaną jako Sociedade Pro-Arte Moderna (SPAM). Organizacja działała krótko (listopad 1932 - grudzień 1934). Podobnie jak Semana de Arte Moderna, organizacja obejmowała członków najwcześniejszych modernistycznych prekursorów São Paulo. Główną ideą SPAM było służenie jako łącznik między artystami, intelektualistami, kolekcjonerami, mecenasami i publicznością jako całością. SPAM został również stworzony, aby służyć jako publiczne środowisko dla sztuki awangardowej w Brazylii.
SPAM składał się z dwóch wystaw. Pierwsza z nich prezentowała prace artystów Szkoły Paryskiej z wielu kolekcji w São Paulo, które uznawały brazylijskich artystów tamtych czasów. Kontrowersyjna modernistyczna artystka, Tarsila do Amaral, również pokazała swoje prace na wystawie, a także prace lokalnych artystów, takich jak Anita Malfatti, Victor Brecheret, John Graz, Regina Graz i Rossi Osir. Druga połowa wystawy składała się wyłącznie z brazylijskich artystów z São Paulo i Rio de Janeiro - takich jak di Cavalcanti, Ismael Nery, Portinari i Alberto da Veiga Guignard.
Podobnie jak w przypadku Semana de Arte Moderna, dwa znaczące "bale" zostały zorganizowane przez liderów organizacji. Sale, w których odbywały się bale zostały nazwane "Cidade de SPAM" (Miasto SPAM). Chociaż bale te wydawały się być wydarzeniami zbierania funduszy, były to jedynie występy, które miały skłonić publiczność do myślenia o ciągle zmieniającym się ruchu w Brazylii. Składały się z występów muzycznych na żywo, tancerzy, zbudowanej scenografii i dzieł sztuki oraz ozdobnych kostiumów. Scenografie miały przedstawiać "mini miasta", a SPAM miał nawet własne gazety, hymn i wiele organów zarządzających.
Prace Segalla zawarte w wystawie SPAM to dwie z jego najważniejszych serii obrazów z 1935 roku; pejzaże Campos do Jordao i portrety Lucy. Lucy była jego uczennicą i Segall wykonał serię obrazów jej poświęconych. Pejzaże Campos do Jordao i Portrety Lucy przedstawiały wybuch wojny na świecie, ukazywały ludobójstwa i nieokreślone tragedie.
Organizacja SPAM walczyła o sprawiedliwość, ale pojawiły się nieporozumienia między Integralistami, znanymi jako brazylijscy faszyści, którzy dyskryminowali obcokrajowców w Brazylii, zwłaszcza Żydów. Przy tak dużej ilości kontrowersji i nieznośnym obciążeniu członków SPAM, grupa wkrótce się rozpadła. Pokonany Segall oznaczał, że siła napędowa organizacji dobiegła końca.
Praca Segalla wciąż zyskiwała wiele pozytywnych opinii w Brazylii, pomimo rozwiązania SPAM. Pozytywne opinie uważają Segalla za jednego z najbardziej wpływowych brazylijskich artystów modernistycznych. Chociaż w Europie jego prace uważano za zdegenerowane i niedorzeczne. W szczególności w Niemczech jego dzieła nie mogły być już pokazywane na wystawach. Faszyzm szybko narastał w Niemczech i wielu uważało, że prace Segalla negatywnie przedstawiają status ekonomiczny Europy z powodu w dużej mierze potwierdzonego wybuchu wojny.
Ten szczególny negatywny wpływ na jego twórczość zmusił Segalla do stworzenia serii obrazów swojego niespokojnego żydowskiego dzieciństwa i przedstawienia dużej liczby fal emigracyjnych, z którymi dorastał. Obrazy te również przedstawiały uniwersalne cierpienie ludzkiej egzystencji.
Nadal nawiedzany przez Mangue w Rio de Janeiro,[potrzebna definicja] Segall stworzył obrazy, które pozostały przez całą jego późną karierę. Znaczna część jego wcześniejszego wpływu na ludzkie cierpienie doprowadziła Segalla do stworzenia jednego z jego najsłynniejszych dzieł sztuki w 1939 i 1940 roku, znanego jako Navio de emigrantes (Statek emigrantów). Obraz przedstawia mocno skondensowaną i dużą liczbę ludzi w doku statku. Chociaż nie jest to zbieżne z wieloma wcześniejszymi pracami Segalla przedstawiającymi ludzkie cierpienie, zapewnia to publiczności głębokie przedstawienie (w tamtym czasie) współczesnych i kontrowersyjnych fal emigrantów oraz ludzkiego cierpienia i prześladowań.
Później, w połowie lat czterdziestych, Segall opublikował serię rysunków Mangue, które ujawniły biedę, szczególnie w slumsach Rio de Janeiro. Zbliżając się całym sercem do swojej brazylijskiej narodowości, Segall portretuje te obrazy w surowy sposób, jednak obrazy upośledzonych i uciskanych zapewniają znaczącą tożsamość kulturową mieszkańcom Rio de Janeiro.
Od 1949 roku do swojej śmierci w 1957 roku kontynuował pracę nad grawerowaniem i malowaniem Mangue, a także tworzył serię zatytułowaną Wędrujące kobiety i lasy.